08/11/25 Barron’s: Questo Artista di Strada di New York Era Sconosciuto. Ecco Come È Entrato nel Club del Mercato dell’Arte da 100 Milioni di Dollari.
By Abby Schultz
Punti Salienti:
- Un’opera di Basquiat del 1982 è stata venduta per 110,5 milioni di dollari nel 2017, collocandolo tra gli artisti le cui opere superano i 100 milioni di dollari all’asta.
- Il nuovo libro di Doug Woodham, “Jean-Michel Basquiat: The Making of an Icon”, esplora la vita precoce di Basquiat e lo sviluppo del suo mercato.
- Sotheby’s offrirà “Crowns (Peso Neto)” di Basquiat a novembre, con un prezzo stimato di vendita fino a 45 milioni di dollari.
Nel 2017, un’opera senza titolo del 1982 di Jean-Michel Basquiat è stata venduta all’asta di Sotheby’s a New York per un sorprendente importo di 110,5 milioni di dollari, acquistata dal miliardario giapponese dell’e-commerce Yusaku Maezawa.
La vendita ha collocato Basquiat in un gruppo esclusivo di artisti che include Amedeo Modigliani, Pablo Picasso, Andy Warhol e Francis Bacon, le cui opere sono state vendute per più di 100 milioni di dollari all’asta.
La storia di come Basquiat – un artista di strada di New York morto nel 1988 per overdose di droga all’età di soli 27 anni – abbia raggiunto questo apice è raccontata da Doug Woodham, managing partner di Art Fiduciary Advisors e ex presidente delle Americhe presso Christie’s, in un nuovo libro, Jean-Michel Basquiat: The Making of an Icon.
Supportato da una ricerca approfondita e più di 100 interviste, Woodham colma diverse lacune nella traumatica storia precoce di Basquiat, inclusa la dissoluzione del matrimonio dei suoi genitori e la successiva malattia mentale di sua madre, Matilde.
Il libro descrive anche come il padre di Basquiat, Gerard – che deteneva il copyright su tutte le opere di Basquiat attraverso l’eredità del figlio – abbia controllato la narrazione della sua vita dopo la sua morte, scoraggiando musei e gallerie dal descrivere l’uso di droga dell’artista, la sua bisessualità e la sua storia precoce, inclusa la crescita in una casa multigenerazionale portoricana. The Making of an Icon non include alcuna immagine dell’arte di Basquiat a causa dell’inclusione di questa storia.
Woodham descrive anche il ruolo centrale che tre collezionisti – Jose Mugrabi, Peter Brant ed Enrico Navarra – hanno giocato nel potenziare il mercato di Basquiat. Navarra, ad esempio, ha trascorso cinque anni a creare un catalogo illustrato in due volumi di 850 opere di Basquiat – l’80% della sua produzione – che ha regalato affinché più collezionisti potessero ottenere una comprensione più completa dell’arte di Basquiat.
Questo novembre, Francis Lombrail, un attore francese, è riportato da ArtNews come il venditore di Crowns (Peso Neto) di Jean-Michel Basquiat, un dipinto che la pubblicazione ha detto fosse un tempo di proprietà di Mugrabi. Sotheby’s offre l’opera alla sua asta di novembre a New York con una stima di 35-45 milioni di dollari. È solo l’ultimo esempio di come la leggenda – e il mercato – di Basquiat perduri.
Barron’s ha recentemente parlato del libro con Woodham. Di seguito una trascrizione modificata della conversazione.
Barron’s: Perché ha scritto un libro su Basquiat?
Doug Woodham: Volevo affrontare la sfida di scrivere un libro che andasse oltre la narrazione della [vita di Basquiat]. Molto di ciò che lo rende l’artista che le persone conoscono oggi – il motivo per cui i ragazzi a Singapore e Rio indossano magliette [di Basquiat] – ha a che fare con ciò che è successo dopo la sua morte. Volevo anche scavare negli aspetti business e di marketing, su come il mondo dell’arte seleziona le persone che evangelizzerà.
Cosa l’ha sorpresa di più di Basquiat stesso?
Doug Woodham: La cosa che mi ha sempre stupito è stata l’ampiezza dei soggetti che sceglieva di includere nelle sue opere. Mi chiedevo sempre da dove venisse. La narrazione standard era – come per la maggior parte degli artisti – che aveva una mente curiosa, un grande senso grafico e fosse ispirato da tante cose.
Quando ho intervistato i membri della famiglia e ho realizzato che era un bambino intellettualmente dotato, è stato allora che la porta si è aperta per me per comprendere la sua arte. Era oltre la curiosità. Leggeva articoli del New York Times quando era in prima elementare. I bambini dotati tendono a perseguire gli interessi con passione. Non dimenticano le cose. Sono in grado di trovare pattern tra i dati quando sono molto giovani. È una fonte di forza per loro, decifrare il mondo che può anche essere terrificante da adolescenti o da bambini piccoli perché vedono cose oltre ciò che la loro maturità e connessione emotiva possono aiutare a gestire.
Quello è stato l’apriporta per comprendere i suoi soggetti, ma anche per comprendere come sia riuscito a navigare nel mondo dell’arte a un’età giovane, quando aveva 20 anni e gli artisti neri non erano accolti con entusiasmo.
Cosa l’ha sorpresa riguardo a come il mercato per le opere di Basquiat è stato plasmato?
Doug Woodham: A causa del ruolo professionale che ho ricoperto presso Christie’s, avevo una comprensione di chi fosse Jose Mugrabi, chi fosse Peter Brant e chi fosse Enrico Navarra. Conoscevo la profondità di ciò che hanno fatto, la passione con cui l’hanno perseguito e quanto fosse contrarian all’epoca. Le storie dei tre di loro – aspirando tutto ciò che potevano mettere le mani, creando mostre pacchettizzate da inviare ai musei… erano ingredienti critici nel spingere Basquiat a tornare rilevante e nella stratosfera.
C’erano tanti artisti neri attivi negli anni ’80 e ’90 che facevano un ottimo lavoro. Basquiat è un artista straordinario – amo il suo lavoro; è giustamente al posto giusto, particolarmente per le opere dal ’81 al ’83/’84. Ma il ruolo [di Mugrabi, Brant e Navarra] non è mai stato davvero discusso.
Qual era il ruolo del padre di Basquiat, Gerard, nel successo di mercato di suo figlio?
Doug Woodham: Gerard era un tipo ambizioso. Ha lasciato Haiti quando aveva 20 anni, proveniva da una famiglia agiata, è venuto negli USA, parla francese, non parla inglese. Era un arrampicatore. Voleva raggiungere la stabilità della classe alta. È una storia classica di immigrato.
Gerard era un contabile di formazione, capiva il business. Probabilmente aveva una buona comprensione delle motivazioni delle persone nel mondo degli affari. Ha iniziato a imparare sul mondo dell’arte quando suo figlio era vivo perché andava alle inaugurazioni delle gallerie. Incontrava gli amici di Jean-Michel. Quella è stata una cosa che mi ha sorpreso nella narrazione su entrambi i genitori, che sono rimasti coinvolti nella vita di Jean-Michel fino alla sua morte, presentandosi agli eventi e persino sua madre che si divertiva con Andy Warhol mentre [lui e Basquiat] facevano i dipinti di collaborazione. La narrazione tradizionale è che se ne vanno dalla scena presto e non se ne sente più parlare.
Penso che Gerard sia stato introdotto nel mondo dell’arte e nel glamour associato – come il denaro veniva scambiato e come le persone venivano commercializzate – durante la vita di suo figlio. Era un tipo intelligente, ambizioso, orientato al business, veloce nell’apprendere. Penso che sentisse che gestire l’eredità di suo figlio fosse la cosa migliore che potesse fare per un figlio che amava profondamente, ma con cui aveva una relazione conflittuale.
Gerard era un tipo realizzato, e perché era realizzato poteva prendersi il tempo per imparare. Ha avuto una crisi di liquidità nei primi anni di gestione dell’eredità a causa delle tasse di successione, delle cause legali… navigare tutto ciò è una testimonianza della sua forza di carattere e della sua determinazione.
Nella gestione dell’eredità di suo figlio, Gerard ha anche mascherato le realtà della vita di suo figlio.
Doug Woodham: Facendo questo libro, ho letto tutto ciò che è stato probabilmente scritto su Basquiat. Cataloghi di musei e cataloghi di gallerie. Nessuno di loro si discostava da una narrazione standard. Era come, ci deve essere di più qui! La mamma di Basquiat [ad esempio] appare sempre all’inizio della sua storia e poi scompare – la mamma con problemi di salute mentale. La mettono in un angolo. Ho trovato la strada verso il fratello minore di sua madre [Ruben Andrades Sr.], che ha aperto la porta su ciò che è realmente successo con Matilde. Gerard ha usato i copyright come strumento per controllare ciò che veniva scritto. Virtualmente ogni catalogo di galleria, ogni catalogo di museo prodotto postumo ha una narrazione sanitizzata. Una delle mie speranze con questo libro è che tante persone lo realizzino.
Basquiat ha avuto un’infanzia traumatica – questo è così materiale per comprendere la sua imagery. Non vedo l’ora che un storico dell’arte abbracci quell’idea e rivaluti tutte le opere. C’è così tanto dolore e agonia in molte delle sue opere e non è solo a causa del fatto che è un uomo nero. Non sto cercando di attaccare i curatori – sono nel business di fare mostre e spesso devi acquiescere a chi detiene il copyright.
Qual è il ruolo degli accademici, dei critici d’arte e degli altri market maker nel plasmare ciò che il mondo sa di un artista?
Doug Woodham: Il mercato delle aste, il mercato delle gallerie di alto livello – quelli sono i luoghi che consacrano chi sono gli artisti notevoli. Le case d’asta tendono a seguire. L’unico asterisco è che a causa di tutta la pubblicità che circonda le vendite all’asta – particolarmente quando accadono prezzi alti – quell’effetto pubblicitario è importante nel cementare nelle menti delle persone quali artisti sono importanti, quali artisti è interessante seguire.
È per questo che traccio quando Basquiat ha superato la barriera del milione di dollari (a novembre 1998 con la vendita di Untitled (Self-Portrait), 1982 presso Christie’s a New York) – un momento incredibilmente importante, particolarmente quando un dipinto da 1 milione di dollari era una cosa molto più grande di quanto non lo sia ora. Parte del motivo per cui così tante persone conoscono Basquiat è perché nel 2017 qualcosa è stato venduto per oltre 100 milioni di dollari.
I critici e gli accademici giocano un ruolo estremamente importante perché teoricamente non sono connessi al lato finanziario, al lato market-making dell’arte. Si spera che possano essere imparziali e riflessivi e situazionali e fornire contesto.
Cosa pensa che Basquiat avrebbe pensato del controllo di suo padre sulla sua storia e della sua decisione di licenziare la sua imagery iconica?
Doug Woodham: Dalle persone che ho intervistato, ho avuto l’impressione che Basquiat non portasse vergogna con sé. Non penso che si vergognasse della sua bisessualità. Non penso che si vergognasse necessariamente del suo uso di droga. Non penso che si vergognasse della sua infanzia e delle sue torture. Ne parlava con i suoi amici. Si sentiva molto a suo agio nel dipingersi nella scena.
[Basquiat] in gran parte apprezzerebbe il licensing perché lo ha reso conosciuto in tutto il mondo. Immagino che avrebbe qualche difficoltà con alcune delle scelte che l’eredità ha fatto su quali articoli licenziare, voglio dire ci sono tappetini da pavimento di Ruggable. Tipo, davvero?
Quando parlo con i trentenni su quando hanno imparato per la prima volta di Basquiat, spesso è perché hanno visto merchandise o un amico aveva un tatuaggio di Basquiat. Ci sono queste cose così lontane dal mondo dell’arte, che hanno costruito consapevolezza e hanno fatto sì che qualcuno si chiedesse con curiosità, “chi è quel tipo?” Non lo vedo come una macchia su di lui. Dubito che sarebbe turbato. Guardate, ammirava Warhol. Se ammiravi Warhol, come potevi poi preoccuparti della commercializzazione delle immagini delle tue opere d’arte?
Descrive il ruolo della celebrità e della cultura nel mercato di Basquiat, come il bassista degli U2 Adam Clayton che ha convinto la band ad acquistare Untitled (Pecho/Oreja) usando un nuovo piano pensionistico irlandese che permetteva investimenti in arte. È appeso nello studio di U2 a Dublino per anni.
Doug Woodham: Pura fortuna, serendipità. Guardate, c’è talento, c’è processo, c’è un playbook. Ma c’è anche, solo fortuna. U2 è stato davvero importante. Ci sono tante persone interessate all’arte. Non ci sono così tante persone che vogliono comprarla. Anche [tra] quelli che vogliono comprarla, non ci sono così tante persone che spenderanno una fortuna. Il fatto che U2 potesse comprare questo dipinto e metterlo dove il mondo creativo passava e lo vedeva. Posizionamento inestimabile.
Scrivi a Abby Schultz all’indirizzo abby.schultz@barrons.com
13/08/25 Il Foglio: Il mercato dell’arte ha scimmiottato Wall Street ed ora è al collasso
Alla
fine degli anni 80, prima che la Guerra Fredda finisse, il presidente americano Ronald Reagan pigiò l’acceleratore della corsa agli armamenti, così tanto che, alcuni dicono, costrinse l’unione Sovietica a fare altrettanto costringendola, per stargli dietro, a schiantarsi contro un muro. Il Ronald Reagan del mercato dell’arte è il mega gallerista americano Larry Gagosian (faccio parte del comitato scientifico della sua galleria, nda). Gagosian ha creato, dal 1980 a oggi, un impero di diciassette gallerie sparse per il mondo, rappresentando non so quanti artisti. Il suo espansionismo, assieme alla proliferazione delle fiere dell’arte e alla megalomania delle case d’asta, ha creato una sindrome che ha contagiato per decenni tutti i suoi colleghi e avversari, chi più e chi meno. Tutti ossessionati nel voler emulare, acchiappare e superare il Gagosian originale. Una sfida fallimentare, visto che il mercato dell’arte si sta rivelando bulimico al punto da finire in affanno, per non volere usare la parola “crisi”, se non “collasso”. Un situazione drammatica, un po’ come quella vissuta dall’unione Sovietica. Lo ha confermato il mese scorso Tim Blum, uno storico gallerista di Los Angeles che, dopo trent’anni di attività, ha annunciato che chiuderà i battenti, stremato oramai dai costi diventati surreali, pari a 12 milioni di dollari all’anno, e da guadagni invece fin troppo reali. Quest’anno ha dichiarato di essere riuscito a finire appena in attivo, in vista del prossimo anno, “ma vista l’aria che tira – dice Blum – rischio di finire in rosso, non ne vale proprio la pena , la passione per l’arte è stata distrutta dall’ossessione per il guadagno, ma più che altro per il potere e la visibilità”.
Blum ha svelato un segreto di Pulcinella che era nell’aria già da un po’ di tempo. Il suo abbandono è stato però un terremoto che ha aperto gli occhi a chi s’illudeva ancora che il boom dei prezzi delle opere d’arte non sarebbe mai finito. Il mercato dell’arte c’è sempre stato con i suoi alti e i suoi bassi. Citando un altro presidente, Richard Nixon, artisti, galleristi e collezionisti sanno benissimo che per respirare l’aria pura della vetta bisogna aver passato del tempo dentro la valle più buia. Il problema negli ultimi vent’anni è stato che molti protagonisti del mondo dell’arte sono stati, potremmo dire, portati in vetta da qualche elicottero privato, evitandosi le tenebre del fondo valle. Larry Gagosian vendeva poster a Los Angeles prima di vendere i Picasso. Una delle sue qualità, o segreti, è stata quella di non essersi mai dimenticato dei poster venduti a 25 dollari. La crisi però, come quella della l’unione Sovietica, non è solo dovuta alla sindrome Gagosian. E’ dovuta anche al fatto che il mercato dell’arte ha voluto, ed in parte ci è riuscito, scimmiottare Wall Street. Le opere d’arte sono diventate azioni su cui investire. Il problema è che le azioni a volte crollano e gli investitori lo sanno e accettano il rischio. Il mercato dell’arte invece insiste a rifiutare questa logica. Se un collezionista compra un quadro a 1.000 e dopo tre anni gli offrono 100 prende il telefono e accusa il gallerista che glielo ha venduto di averlo ingannato. Un altro problema sono le case d’asta, che pur di avere opere da vendere hanno inventato il sistema delle garanzie, ovvero garantiscono ai proprietari delle opere la vendita, sborsando in anticipo una cifra concordata sul valore dell’opera. Ma garantire una vendita a un’asta è come volere garantire a un tifoso, a inizio campionato, che la sua squadra vincerà lo scudetto. Una bugia.
Ma è questa bugia che ha riempito i magazzini delle case d’asta, ora piene di opere invendute e che finiranno per essere svendute, facendo crollare il mercato di certi artisti. Infine ci sono le fiere dell’arte, diventate baracconi d’intrattenimento dove le gallerie fanno a gara a chi organizza la festa più “cool”. Essere “cool” in certi contesti costa molto ma se la fiera va male il cool non è più cool e va nella colonna delle perdite.
Morale? Il mercato dell’arte è finito con i suoi successi, eccessi, decessi? Non credo. Sicuramente dovrà ridimensionarsi. Ma se Gagosian può ancora permettersi di comportarsi da imperatore, molti altri suoi colleghi dovranno cambiare scala o, come ha deciso Tim Blum, chiudere bottega prima che sia troppo tardi. Dell’arte, delle gallerie e dei collezionisti ci sarà – credo – sempre bisogno, fanno parte della cultura del superfluo e del lusso che governa la società contemporanea. Le persone però, anche quelle molto ricche, pare abbiano scoperto che un milione è tornato a essere un milione. Con un milione si possono fare e comprare tante cose, non solo un dipinto di uno sconosciuto diventato all’improvviso molto hot ma che, molto probabilmente, a breve tornerà a essere noioso.
Il grande pittore americano Jasper Johns, diventato ricco e famoso molto presto, una volta era a pranzo con un collezionista che voleva acquistare una sua opera a tutti i costi offrendo una cifra pazzesca. Johns lo ascoltò in silenzio e alla fine del pranzo gli disse: “Non sono intenzionato a vendere il quadro. Comunque la cifra che mi offre è assurda e lei è un idiota”. Artisti , galleristi e collezionisti, se vogliono che il mondo dell’arte e il suo mercato non scompaiano, dovrebbero sempre ricordarsi della risposta di Jasper Johns.
30/12/24 Barron’s: Investire nell’arte richiede più di un buon occhio. 6 cose da sapere.
Per molti investitori, l’arte è più di una bella immagine. Gli individui facoltosi cercano di costruire collezioni d’arte per il divertimento, sì, ma anche per l’apprezzamento del capitale e per la costruzione di un’eredità. Secondo un rapporto di Deloitte, il valore dell’arte e degli oggetti da collezione detenuti a livello globale da individui con un patrimonio netto ultra elevato è stato di 2,17 trilioni di dollari nel 2022 e si stima che raggiungerà i 2,86 trilioni di dollari nel 2026.
Ma che si tratti di piccoli appassionati d’arte o di grandi collezionisti, molte persone trascurano le implicazioni della loro arte per la creazione di ricchezza. È qui che i consulenti finanziari possono aiutare. I mecenati d’arte possono rivolgersi a consulenti finanziari con conoscenze specialistiche del mercato dell’arte per aiutare con questioni di pianificazione patrimoniale, fiscale e lascito.
“Non sottolineerò mai abbastanza che i consulenti devono essere pronti ad avere queste conversazioni con i loro clienti”, afferma Lindsey Serrano, consulente patrimoniale senior presso Mariner con sede a Overland Park, Kansas City. Molte persone hanno accumulato un patrimonio significativo attraverso l’arte, ma non hanno pensato a problemi finanziari che possono ritorcersi contro di loro in seguito. “Quando le decisioni emotive guidano le decisioni artistiche, ciò può essere molto problematico man mano che quelle collezioni aumentano di valore”, afferma Serrano.
Ecco sei punti da sapere sulle implicazioni finanziarie dell’investimento in arte:
Non devi essere megaricco per investire. Il collezionismo d’arte è spesso visto come un’attività per gli ultraricchi, ma non è limitato solo ai livelli più alti. “L’arte è per tutti”, afferma Heather Flanagan, responsabile dei servizi di family office presso Wealthspire Advisors, con sede a New York. Ha iniziato a investire nell’arte come passione molti anni fa e lei e suo marito hanno continuato ad arricchire la loro collezione.
I prezzi delle opere d’arte variano. Possono costare qualche migliaio di dollari o qualche centinaio di migliaia di dollari, ma sono disponibili anche pezzi per budget inferiori. Puoi costruire una collezione lentamente e ci sono specialisti d’arte che possono aiutarti a identificare i pezzi che rientrano nel tuo budget, dice. “Ce n’è sempre di più a disposizione delle persone a ogni livello di asset ed è un ottimo modo per le persone di avere un investimento alternativo di cui sono anche appassionate”.
Dovresti avere una strategia fin dall’inizio. I consulenti finanziari aiutano i clienti a elaborare piani per i loro acquisti d’arte e l’eventuale distribuzione agli eredi. Grant Rawdin, fondatore e amministratore delegato di Wescott Financial Advisory Group a Philadelphia, chiede informazioni sull’arte durante l’onboarding dei clienti e in occasione di aggiornamenti regolari. Discute argomenti come la quantità di denaro che vorrebbero impegnare nell’arte, le loro future esigenze di liquidità previste e le loro intenzioni per la loro collezione.
La pianificazione è importante anche per motivi fiscali. Ad esempio, ci sono considerazioni fiscali per i clienti che vendono pezzi il cui valore è aumentato in modo significativo. I guadagni su arte e altri oggetti da collezione sono tassati come il reddito ordinario, fino a un’aliquota massima del 28%, secondo il Tax Policy Center. Ciò si aggiunge a un’imposta sul reddito netto da investimenti del 3,8% dovuta dai dichiaranti ad alto reddito e alle tasse statali.
Ma se i proprietari detengono l’arte fino alla morte, c’è un aumento della base, il che significa che non c’è alcuna tassa sull’aumento del valore dell’arte durante la loro vita, afferma il Tax Policy Center. “Avere una strategia può aiutare a prevenire errori “costosi e angoscianti”, afferma Rawdin.
La documentazione giusta è fondamentale. Justyn Volesko, co-responsabile del Family Office di Cerity Partners a New York, consiglia ai clienti di assicurarsi di avere i documenti adeguati, che includono fatture e provenienze che descrivono in dettaglio la storia della proprietà dell’opera. Questi documenti sono necessari anche ai fini assicurativi, il che è importante in caso di incendio, furto o altri danni.
Volesko aveva un cliente che non menzionava la sua grande collezione d’arte fino a quando non aveva bisogno di liquidità. Il cliente non aveva le fatture, le perizie o altri documenti e aveva solo alcuni dei pezzi assicurati. È stato un lavoro enorme mettere tutto insieme, ha detto Volesko. Fortunatamente il cliente aveva lavorato solo con una manciata di mercanti d’arte, quindi è stato in grado di raccogliere le fatture e le provenienze e organizzare le perizie e le coperture assicurative.
Volesko consiglia di essere meticolosi su questi dettagli fin dall’inizio per prevenire potenziali problemi in seguito. Anche le considerazioni sullo stoccaggio sono importanti perché possono influire sulla qualità dell’opera d’arte e sui costi assicurativi, afferma Volesko.
La pianificazione patrimoniale è importante. L’arte può essere soggetta all’imposta di successione o all’imposta di successione statale a seconda delle dimensioni del patrimonio e a chi lo si lascia, quindi è importante una corretta pianificazione, afferma Rawdin. Non riuscire a pianificare può anche portare ad attriti familiari, soprattutto se sono coinvolti più fratelli.
Rawdin raccomanda ai clienti di creare un memorandum da conservare con il loro testamento o trust vivente che descriva come vogliono che ogni opera d’arte venga distribuita e a chi. Può anche essere utile per le famiglie discutere i vari pezzi per ottenere le opinioni dei loro figli su cui si sentono fortemente intenzionati a tenere o vendere, poiché l’arte ha una componente emotiva.
“Diversi membri della famiglia possono sentirsi legati all’arte e ci possono essere dei rancori se non viene gestita correttamente”, dice Flanagan.
Esistono modi alternativi per investire nell’arte. Le persone interessate all’arte come categoria di investimento, ma che non si preoccupano di possedere opere a titolo definitivo, potrebbero prendere in considerazione la proprietà frazionata. Con Masterworks, ad esempio, le persone possono investire in azioni di opere d’arte multimilionarie e blue-chip. Alcuni clienti vogliono anche guadagnare un reddito passivo da prestiti garantiti da opere d’arte o utilizzare la loro arte come garanzia per i prestiti, afferma Flanagan.
Gli esperti possono aiutare con l’acquisto e la vendita. Rawdin dice che è consigliabile assumere specialisti d’arte per aiutare con i principali acquisti o vendite d’arte. Ha diversi contatti che consiglia ai clienti per aiutarli a trovare pezzi, massimizzare i profitti e comprendere le opzioni di vendita e le commissioni. Questo aiuta a proteggerli dai truffatori. Rawdin dice: “Non c’è carenza di mercanti d’arte senza scrupoli”.
04/07/24 Penta: Gli acquirenti si raffreddano nel possedere azioni frazionarie dell’arte, per ora
Di Abby Schultz
Gli acquirenti vogliono ancora investire in quote frazionarie di dipinti e sculture, un settore del mercato dell’arte che ha iniziato a guadagnare trazione l’anno scorso, anche se quest’anno stanno adottando un approccio più cauto, ha rilevato un sondaggio recentemente pubblicato da ArtTactic con sede a Londra.
Dei collezionisti che ArtTactic ha intervistato a maggio, il 16% di tutte le fasce d’età – e il 23% dei giovani acquirenti – aveva investito in un’opera d’arte frazionaria nell’ultimo anno, rispetto al 9%, nel complesso, che lo ha fatto un anno prima.
Tuttavia, tra le fasce d’età, solo il 14% ha dichiarato che era probabile che investisse nell’arte frazionaria nei prossimi 12 mesi; tra gli acquirenti più giovani sotto i 35 anni, il 18% era “probabile” di farlo, ha rilevato il sondaggio. Questo è un grande calo rispetto a un anno fa, quando il 61% degli intervistati ha dichiarato che avrebbe investito nell’arte frazionaria entro l’anno, ha affermato ArtTactic, una società di dati e analisi dell’arte.
Condizioni più morbide nel mercato dell’arte possono spiegare questa flessione della domanda, ha detto l’azienda.
In questo contesto, l’azienda più affermata del settore, Masterworks con sede a New York, continua ad acquistare opere d’arte da frazionare e vendere agli investitori.
A maggio, Masterworks ha riferito di aver acquistato più di 415 opere d’arte da quando la società ha iniziato nel 2017 e di aver raccolto più di 1 miliardo di dollari di capitale.
Finora quest’anno, fino all’inizio di luglio, la società ha acquistato 46 opere d’arte al costo di 53,2 milioni di dollari che sono state depositate pubblicamente presso gli Stati Uniti. Securities and Exchange Commission, secondo un portavoce di Masterworks. La società ha anche acquistato un numero sconosciuto di opere che sono nel suo bilancio, ma non saranno depositate presso la SEC fino a quando l’azienda non offrirà azioni agli investitori. Altre opere d’arte sono state acquistate per essere vendute attraverso veicoli di fondi di collocamento privato a investitori accreditati, ha detto il portavoce.
Nella ricerca dei documenti SEC pubblici di Masterworks, ArtTactic ha visto le presentazioni nel 2023 per 175 opere che erano state acquistate per quasi 309 milioni di dollari, un aumento di quasi il 40% dei costi di acquisizione rispetto all’anno precedente. Nel primo trimestre di quest’anno, ArtTactic ha scoperto che l’azienda aveva presentato domanda per vendere 12 dipinti per un valore totale di quasi 10 milioni di dollari; questo è in calo rispetto alle 43 opere acquistate per quasi 72 milioni di dollari che sono state depositate presso la SEC nel primo trimestre dello scorso anno, ha detto l’azienda.
Coloro che hanno investito in dipinti acquistati da Masterworks e successivamente venduti hanno fatto rendimenti impressionanti finora, secondo ArtTactic. A giugno, la società aveva venduto pubblicamente 23 delle sue oltre 400 opere, realizzando un totale di quasi 65 milioni di dollari in acquisti che costavano quasi 42,8 milioni di dollari, ha detto ArtTactic.
Ad esempio, Sam Gilliam’s Tracing, 1971, è stato venduto da Masterworks per quasi 1,65 milioni di dollari dopo averlo posseduto per 2,2 anni. Il dipinto è stato originariamente acquistato per 700.000 dollari, portando a un rendimento lordo totale del 135,7%, che non include le commissioni o il rendimento netto per gli investitori, ha detto ArtTactic. Il rapporto non includeva le date di acquisto per le opere.
Cecily Brown’s There is a land of pure delight, 2011, è stato acquistato per 810.000 dollari e venduto 1,9 anni dopo per 1,8 milioni di dollari, un rendimento lordo totale del 122%, mentre Infinity Nets T.I.T. di Yayoi Kusama è stato acquistato per 1,1 milioni di dollari e venduto 2,9 anni dopo per 2,25 milioni di dollari, un rendimento lordo totale del 104,5%, ha detto ArtTactic.
Il rendimento lordo totale più basso realizzato da Masterworks finora è stato del 18% per Andy Warhol’s Flowers, 1964, che è stato acquisito per 3 milioni di dollari, detenuto per otto mesi e poi venduto per 3,5 milioni di dollari, ha detto ArtTactic.
Ci sono diverse altre aziende con piattaforme di arte frazionaria di un tipo o dell’altro, una manciata delle quali ArtTactic dettaglia anche nel suo rapporto. Uno è Artex, che ha sede in Liechtenstein e regolamentato dall’Autorità per il mercato finanziario di quel paese nell’ambito della direttiva europea sui mercati degli strumenti finanziari.
A marzo, Artex Global Markets ha venduto 550.000 azioni in Art Share 002, una società per azioni che ha utilizzato i fondi per acquistare il trittico Francis Bacon, Three studies for Portrait of George Dyer, 1963, del valore di 55 milioni di dollari. Le azioni sono state vendute tramite un collocamento privato per 100 dollari al pezzo a investitori qualificati in Europa e nel Regno Unito.
L’attrattiva dell’acquisto di fette di un’opera d’arte invece di un intero dipinto che potrebbe essere appeso al muro, è la possibilità di partecipare a un settore di mercato che è aumentato di valore negli ultimi 20 anni, ha detto ArtTactic.
“L’accesso è sempre stato un grande ostacolo nel mercato dell’arte”, ha detto l’azienda. Una ragione è il prezzo, ma ArtTactic osserva anche che il mercato “può spesso sentirsi impenetrabile e intimidatorio per quelli all’esterno”, che non sono ben collegati ai rivenditori e agli addetti ai lavori del mondo dell’arte. L’azienda afferma anche che la “natura non regolamentata del mercato dell’arte … spaventa molti potenziali investitori”.
Acquistando una fetta teorica d’arte per 1.000 dollari o più, un investitore può partecipare a un mercato esclusivo in cui i lavori blue-chip spesso salgono di valore. Il sondaggio di ArtTactic ha rilevato che il 79% vede la proprietà frazionaria come un modo per ottenere l’accesso all’arte che altrimenti non potevano permettersi, mentre il 43% ha affermato che ha permesso loro di creare un portafoglio che pensavano avesse un potenziale (rispetto a fare affidamento su un gestore di fondi).
Ma, come per qualsiasi investimento, la proprietà frazionaria dell’arte comporta il rischio che un dipinto possa perdere valore o non trovare un acquirente. In effetti, il 71% dei potenziali investitori intervistati teme che potrebbe essere difficile uscire da una partecipazione di proprietà frazionaria poiché il mercato secondario non è completamente sviluppato, ha detto ArtTactic. Il sondaggio ha anche rilevato che il 48% è preoccupato per la mancanza di trasparenza del settore e il 43% ritiene che il mercato non sia sufficientemente regolamentato.
31/05/24 Penta: Una nuova piattaforma artistica e tecnologica mira a collegare artisti esperienziali con i collezionisti
Per gentile concessione di Transmoderna e Viv Arts
Una delle grandi sfide che gli artisti che devono affrontare gli artisti che creano progetti che immergono i visitatori in un’esperienza piuttosto che essere appesi al muro di una galleria è ottenere i soldi per realizzare la loro visione.
Carlota Dochao Naveira e Oliva Sartogo hanno visto questo in prima persona come membri del team fondatore di Superblue, un centro d’arte esperienziale a Miami dove i visitatori pagano 39 dollari al pezzo per immergersi in progetti futuristici.
Il problema è che i potenziali sostenitori di questi artisti esperienziali esitano di fronte ai considerevoli costi iniziali di cui hanno bisogno per la ricerca e lo sviluppo, la produzione, la progettazione e l’installazione per dare vita alle loro nuove idee esperienziali.
La domanda per Dochao Naveira e Sartogo è diventata: “Come possiamo trovare un nuovo modo per finanziare queste opere d’arte, o almeno trovare un nuovo meccanismo di finanziamento, che non si basi esclusivamente sulla vendita dei biglietti?” Dice Dochao Naveira.
Lei e Sartogo mirano a rispondere a questa domanda attraverso Viv Arts, una piattaforma artistica e tecnologica con sede a Londra che hanno recentemente co-fondato. Il loro obiettivo è affrontare due “punti dolenti”: una mancanza di finanziamenti iniziali e una mancanza di collezionisti.
Hanno in programma di farlo incoraggiando gli artisti ad attingere alla tecnologia, che si tratti di video, blockchain o arte digitale, per creare oggetti da collezione che rappresentino l’essenza del loro lavoro effimero ed esperienziale e che possono essere venduti per finanziare la loro arte, dice Dochao Naveira.
L’obiettivo è “fornire finanziamenti anticipati per la ricerca e lo sviluppo agli artisti per realizzare progetti da sogno che non sono stati in grado di realizzare”, dice.
La prima iniziativa di Viv Arts è una partnership con Transmoderna, uno studio e collettivo di artisti con sede a Berlino e Lisbona che sta esplorando “il futuro delle esperienze di musica elettronica” e il “futuro del clubbing”, afferma Dochao Naveira.
Il collettivo è stato co-fondato da Steffen Berkhahn, un produttore musicale e DJ house e techno noto come DJ Dixon, che ha attirato una folla affollata nel club all’aperto Brooklyn Mirage nel quartiere East Williamsburg di New York il mese scorso durante Frieze New York, dove Viv Arts stava presentando il suo concetto e i suoi artisti ai collezionisti in vari eventi.
Il sogno di Transmoderna è esplorare le loro idee artistiche collettive attraverso una “esperienza audiovisiva in cui portano elementi delle arti digitali e anche nuove tecnologie sul sentire la musica”, afferma Dochao Naveira.
Il ruolo di Viv Arts è stato quello di collegare i collezionisti, compresi quei fan entusiasti, a Mycoforest di Transmoderna, 2024, un’opera d’arte digitale basata sullo schermo che attira gli spettatori in una foresta vividamente colorata e simile a un fungo che si muove e si evolve in una musica pulsante e ambientale.
Il lavoro si basa su Terraforming CIR, 2022, un’esperienza di realtà virtuale che è stata inclusa in “Worldbuilding: Gaming and Art in the Digital Age”, una mostra di diverse opere di artisti che è durata per sei mesi fino al 15 gennaio al Centre-Pompidou Metz in Francia. È stato curato da Hans Ulrich Obert, il direttore artistico delle Serpentine Galleries di Londra.
Il pubblico di riferimento per Viv Arts include ricchi collezionisti d’arte. Sia alla Pace Gallery (il supporto iniziale di Superblue), sia alla stessa Superblue, Dochao Naveira ha collocato opere d’arte di artisti esperienziali come teamLab di Tokyo e Drift, un progetto degli artisti olandesi Lonneke Gordijn e Ralph Nauta, in collezioni private.
Le vendite di oggetti creati da tali artisti sono state, infatti, un’ispirazione per Viv Arts, dice Dochao Naveira. Le 35 edizioni di Mycoforest vengono vendute privatamente per un importo non rivelato, ma in futuro, anche volumi più elevati di opere d’arte saranno venduti pubblicamente a prezzi a partire da 100 dollari.
L’azienda crede che ci sia un futuro nell’arte immersiva dato il comfort che le giovani generazioni di collezionisti hanno nei mondi digitali e il loro desiderio di sperimentare l’arte, non solo di possederla. Offrire opere d’arte collezionabili correlate in vendita fornisce loro un ricordo tangibile e un veicolo per finanziare il lavoro di un artista preferito, e forse il “progetto da sogno” di questo artista.
Viv Arts mira anche a fare niente di meno che rivoluzionare il mercato dell’arte collegando direttamente la prossima generazione di collezionisti con gli artisti che vogliono sostenere, ha affermato.
“Per noi, si tratta di trovare la prossima grande cosa: qual è la prossima forma di immersione di interazione e partecipazione che non è ancora stata realizzata”, dice Dochao Naveira. “Stiamo cercando quella piccola pepita che avrà un enorme impatto sul resto del mondo dell’arte”.
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25/07/23 Barron’s: Masterworks sta collocando azioni di un dipinto Basquiat da 36,7 milioni di dollari agli investitori al dettaglio
Pollo Frito (senza titolo) di Jean-Michel Basquiat, 1982.
Masterworks offre più di 1,8 milioni di azioni di classe A del dipinto di Jean-Michel Basquiat del 1982 (Untitled) Pollo Frito, o “pollo fritto”, per 36,7 milioni di dollari martedì, la sua vendita più costosa fino ad oggi.
L’azienda con sede a New York, che vende azioni frazionarie di opere d’arte agli investitori al dettaglio, ha acquistato questo Basquiat iconografico da un collezionista privato a maggio per 33,05 milioni di dollari. L’acquisto è avvenuto alla vigilia della vendita di Christie di El Gran Espectaculo (Il Nilo) di Basquiat, 1983, per 67 milioni di dollari, afferma Evan Beard, vicepresidente esecutivo di Masterworks.
Il dittico 60-by-121-pollici è dipinto su due pannelli in tonalità audaci arancioni, rosse e gialle ed è pieno di parole e simboli tipici di Basquiat, tra cui la sua corona e il suo teschio. In una voce del catalogo del novembre 2018, da quando è stata venduta per 25,7 milioni di dollari, Sotheby’s l’ha descritta come “una bruciante conflagrazione di parola, gesto e forma”.
“Questa è un opera ‘A'”, dice Beard. “È stato ampiamente esposto [e] è un Basquiat piuttosto famoso dal suo anno più importante, il 1982”.
Nel 1982 la stella dell’artista cominciò a salire. Secondo Sotheby’s, è stato l’anno delle prime mostre personali di Basquiat, ad Annina Nosei a New York e poi a Gagosian a Los Angeles. Le opere di quell’anno hanno generato molte delle migliori vendite dell’artista, secondo Masterworks, tra cui un dipinto di teschio senza titolo che è stato venduto per 110,5 milioni di dollari da Sotheby’s nel maggio 2017, un record per l’artista.
Data la breve vita di Basquiat – è morto per un’overdose di droga nel 1988 all’età di 27 anni – non c’è un’abbondanza di dipinti di livello A, che è uno dei motivi per cui le sue opere possono avere prezzi così alti, dice Beard. Altre ragioni includono il cachet culturale e storico di Basquiat, e il fatto che sia venerato tanto dall’establishment delle belle arti quanto dalla cultura di strada.
“Pensiamo che ci sia un buon valore qui, data la traiettoria dell’estremità superiore del mercato Basquiat per i nostri investitori”, dice.
Al lancio martedì pomeriggio, il dipinto era già venduto al 35%, per lo più agli investitori di Masterworks che già possiedono azioni di altri dipinti. Coloro che vogliono acquistare le azioni rimanenti possono fare un investimento di 15.000 dollari o più (a 20 dollari per azione) sulla piattaforma Masterworks, oppure possono investire di meno se stanno acquistando su più immagini vendute dall’azienda, dice Beard.
Masterworks in genere aggiunge circa il 10% al suo prezzo di acquisto per un’opera prima di venderla agli investitori per tenere conto delle spese, tra cui tasse, commissioni di deposito della Securities and Exchange Commission, stoccaggio e altre commissioni. Al momento del lancio, l’azienda ha notato che il mercato di Basquiat ha mostrato un apprezzamento corretto per il rischio dell’1,55% e che l’apprezzamento annuale per un paniere di opere simili selezionate dall’artista si è apprezzato del 22,1%.
Per gli investitori, l’offerta dà loro l’opportunità di acquistare una fetta di un dipinto multimilionario di un artista famoso e di acquisire l’accesso a una classe di attività che storicamente non si comporta in sincronia con altri mercati finanziari.
“Pensiamo che gli investitori saranno entusiasti di questo”, dice Beard. “La nostra tesi qui è, guarda, se hai un portafoglio di investimenti, è molto difficile ottenere un’esposizione a questo artista”.
Pollo Frito è di gran lunga l’opera più costosa venduta da Masterworks. Il secondo più costoso è stato un altro Basquiat, All Colored Cast Part II, 1982, che ha acquistato per 20 milioni di dollari nel luglio 2021 e venduto agli investitori la stessa estate per 22,2 milioni di dollari. La maggior parte delle vendite dell’azienda sono di opere comprese tra 1 milione di dollari e 5 milioni di dollari, anche se vende opere di valore compreso tra 300.000 e 500.000 dollari e fino a 1 milione di dollari.
Il dipinto è anche l’offerta d’arte frazionaria più costosa finora. Il gruppo Artex con sede a Lichtenstein venderà azioni di classe B in Three Studies di Francis Bacon per un ritratto di George Dyer attraverso un’offerta azionaria secondaria entro la fine dell’anno, anche se questa offerta è attraverso un mercato regolamentato piuttosto che il tipo di struttura di fondi privati utilizzata da Masterworks.
Pollo Frito è stato originariamente acquistato da un collezionista di Atlanta, Fay Gold, dalla galleria Annina Nosei di New York nell’aprile 1982 per circa 5.000 dollari; lo ha venduto per circa 1 milione di dollari nel 2000. L’opera è stata infine di proprietà di un collezionista che l’ha venduta da Sotheby’s nel 2018.
Masterworks continuerà a possedere Pollo Frito fino a quando non sarà venduto di nuovo, il che potrebbe essere tra cinque o 10 anni. Nel frattempo, il dipinto sarà conservato in deposito nel Delaware, anche se l’azienda continuerà a prestarlo alle istituzioni. L’anno scorso, ad esempio, è stato incluso in una retrospettiva dell’artista al Museo Albertina di Vienna.
“Saremo bravi cittadini con esso e lo mostreremo ampiamente”, dice Beard.
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22 giugno 2023 10:38 ET
L’avvocato di New York Daniel Kokhba è stato uno dei tanti investitori nel 2020 che hanno acquistato una partecipazione in Girl Trouble di Cecily Brown, 1999, un dipinto alto 8 piedi di rossi, arancioni e gialli astratti in cui emergono figure all’interno di spessi tratti di vernice.
I valori frazionati di Girl Trouble erano disponibili per gli investitori a $ 20 per azione, con un investimento minimo di $ 15.000, da Masterworks, un’azienda newyorkese di più di 5 anni che trasforma l’arte ad alto prezzo in attività al dettaglio. Masterworks aveva acquistato il dipinto in un’asta di Christie’s London nel febbraio 2020 per 1,5 milioni di sterline (1,95 milioni di dollari), offrendolo agli investitori per 2,14 milioni di dollari, comprese le commissioni, secondo un deposito della Securities and Exchange Commission.
Kokhba ha deciso di investire perché come avvocato d’arte che rappresenta gallerie e artisti, ama l’arte. “Ma se non avessi nulla di tutto ciò, lo guardrei comunque perché i numeri mostrano che l’arte blue-chip in genere continua a salire”, dice.
Questa in poche parole è la promessa dell’arte frazionata, la possibilità di entrare e trarre profitto da un mondo altrimenti occupato solo dai molto ricchi. È una promessa fatta da un numero crescente di aziende, ognuna in modi diversi, e una che dovrebbe essere considerata con cura.
“C’è sempre stato un forte aspetto finanziario nella proprietà dell’arte, ma quell’aspetto della proprietà finanziaria è stato privilegiato per alcune persone”, afferma Anders Petterson, amministratore delegato
di ArtTactic, una società di analisi dell’arte, con sede a Londra. “Questi nuovi modelli stanno aprendo un’opportunità per gli altri”.
Eppure, dice Petterson, “la maggior parte dell’industria stessa è in un periodo di luna di miele in cui gli investitori stanno entrando e sono entusiasti, e ad un certo punto, ci sarà la realtà se [le opere d’arte] sono più preziose di quello per cui sono state acquistate”, dice Petterson. “Ci saranno alcuni anni prima di sapere come andrà a finire”.
L’attrazione per possedere fette d’arte è l’accesso che fornisce a un asset alternativo che può diversificare e ridurre il rischio in un portafoglio di investimenti perché i suoi rendimenti non sono sincronizzati con i mercati tradizionali di azioni, obbligazioni e materie prime. Le piattaforme frazionate danno anche a più persone la possibilità di possedere opere d’arte di alta qualità anche se non possono metterle sulle loro pareti.
“Il segmento contemporaneo [del mercato dell’arte] ha sovraperformato le azioni negli ultimi 25-30 anni e manca di correlazione con altre classi di attività, ma l’unico modo per investire in esso è acquistare un dipinto, cosa che la maggior parte delle persone non ha la possibilità di fare”, sostiene Scott Lynn, CEO di Masterworks.
I dati accurati che tengono traccia di come l’arte si è comportata nel tempo sono in realtà scarsi considerando che almeno la metà di tutte le transazioni sono private e i dati di ritorno disponibili al pubblico non tengono conto dei costi annuali di possedere l’arte, afferma Drew Watson, responsabile dei servizi artistici presso Bank of America Private Bank. L’arte è anche illiquaria, il che significa che ci sono meno acquirenti e venditori per ogni singola opera, e la vendita di alcuni dipinti stellati a rendimenti fuori misura può facilmente distorcere i risultati.
“Se stai misurando il rischio in base alla deviazione standard dalla media [dei] rendimenti annuali, sarà molto più grande per l’arte, in particolare l’arte contemporanea, che per altre attività finanziarie, che sono chiaramente anche molto più liquide”, dice Watson.
Tuttavia, diverse aziende a livello globale si stanno unendo a Masterworks nel business di trasformare l’arte in titoli finanziari. In Corea del Sud, il mercato della proprietà artistica frazionata è “super vibrante”, con i ragazzi dai 20 ai 30 anni che acquistano azioni di dipinti, ad esempio, dal famoso artista giapponese Yayoi Kusama, per un minimo di 1 dollaro per azione, dice Petterson.
C’è anche Particle con sede negli Stati Uniti, co-fondata da Loïc Gouzer, ex co-presidente del dipartimento di arte contemporanea e del dopoguerra di Christie, che vende “particelle” di singole opere coniate sulla blockchain come token non fungibili, o NFT; e Mintus, una società del Regno Unito regolamentata dalla Financial Conduct Authority del Regno Unito che Mintus, che finora ha venduto opere di Andy Warhol e George Condo, è consigliato da pesi massimi del mondo dell’arte come il partner della galleria LGDR Brett Gorvy, un ex dirigente di punta di Christie’s.
Un concorrente relativamente nuovo è Artex Group con sede nel Liechtenstein, che ha creato uno mercato regolamentato per la negoziazione di azioni di opere d’arte e include il principe Venceslao del Liechtenstein tra i suoi fondatori. Invece di utilizzare una struttura di fondi, Artex sta lanciando offerte pubbliche iniziali di opere capolavori del valore di 50 milioni di dollari o più per l’equivalente in euro di 100 dollari per azione, afferma Yassir Benjelloun-Touimi, cofondatore e CEO dell’azienda.
A giugno, Artex ha iniziato a pre-marketing un’offerta secondaria di 385.000 azioni di classe B di un dipinto da 55 milioni di dollari di Francis Bacon, Three Studies for a Portrait of George Dyer. L’opera, che viene venduta da un collezionista che ha acquistato il dipinto nel maggio 2017 da Christie’s per 51,8 milioni di dollari, è stata collocata in un veicolo per scopi speciali che è quotato alla borsa Artex e regolamentato dall’Autorità per i mercati finanziari del Liechtenstein, consentendo di dividere il suo valore in titoli liquidi e negoziabili.
Offrendo capolavori, Artex crede che sarà più facile vendere una sicurezza basata sull’arte a una vasta gamma di investitori oltre a quelli che si impegnano abitualmente nel mondo dell’arte affiatato. Se la Gioconda di Leonardo da Vinci fosse messa all’asta a 3 miliardi di dollari, per esempio, forse 10 o 15 persone nel mondo potrebbero comprarla, dice Benjelloun-Touimi. Ma collettivamente, dato il numero di potenziali investitori individuali idonei nel mondo, “potremo sovrastare chiunque di loro”, dice.
Artex prevede di elencare un’opera d’arte ogni mese, con il numero di annunci che sale a uno a settimana entro il 2025, dice Benjelloun-Touimi. La società mira anche a creare un indice artistico che consentirà la creazione di un fondo exchange-traded prima della fine dell’anno.
Mintus, nel frattempo, sta progettando di offrire fino a 30 opere del valore di circa
76 milioni di sterline entro il prossimo marzo con una dimensione minima del biglietto di 3.000 dollari a ricchi investitori e istituzioni designate come “qualificate” nel Regno Unito e “accreditate” negli Stati Uniti, afferma Tamer Ozmen, fondatore e CEO ed ex dirigente Microsoft.
I dipinti saranno venduti attraverso società di portafoglio segregate, che, in alcuni casi, possono contenere un raggruppamento a tema di opere. Offre anche fondi istituzionali (con sede in Lussemburgo e nelle Isole Cayman) che possono investire in diversi dipinti, ma richiedono un investimento minimo di 100.000 dollari.
Il background Microsoft di Ozmen si presenta in una piattaforma di intelligenza artificiale che Mintus ha sviluppato come strumento di valutazione iniziale per analizzare la traiettoria potenziale di un’opera, anche se è pronto a dire che la tecnologia è nelle fasi iniziali. “Non ti dirà chi sarà il prossimo [Jean-Michel] Basquiat”, dice.
L’approccio del fondo diversificato
A parte le aziende che dividono l’arte in azioni investibili, ce ne sono altre che creano strutture più tradizionali in stile fondo comune che consentono a individui e istituzioni di investire in un portafoglio di arte. Il concetto non è nuovo. I fondi di investimento per l’arte sono esistiti fin dai primi anni ’70.
Tra le ultime generazioni ci sono diversi fondi azionari artistici diversificati lanciati da Yieldstreet, una piattaforma di investimento alternativo del mercato privato con sede a New York per gli investitori al dettaglio, e un fondo diversificato per investitori al dettaglio istituzionali e accreditati dall’Artory/Winston Art Fund.
Yieldstreet ha iniziato ad acquisire arte a ciò che Rebecca Fine, amministratore delegato della finanza artistica della società, dice che erano prezzi scontati e offrendo azioni agli investitori a partire dal 2021 attraverso una serie di fondi azionari di dimensioni che vanno da 10 milioni di dollari a 50 milioni di dollari. L’investimento minimo è di 10.000 o 15.000 dollari a seconda del fondo e le aspettative di rendimento sono all’incirca “dall’8 al 15% tenendoci prudenti “, a seconda degli artisti nel fondo, dice Fine.
Gli investitori non sanno quali opere specifiche ci sono nei fondi, ma ottengono un’analisi degli artisti i cui pezzi sono inclusi.
Artory/Winston, una joint venture tra Artory, che offre un registro blockchain di informazioni verificate su belle arti e oggetti da collezione, e Winston Art Group, un consulente e perito artistico indipendente, ha sperimentato la vendita di partecipazioni in una singola opera d’arte, ma sta mettendo la maggior parte dei suoi sforzi per raccogliere oltre 100 milioni di dollari da investitori accreditati e istituzionali per un
Il veicolo possiederà opere di artisti contemporanei emergenti, a metà carriera e affermati blue-chip e dovrebbe generare un tasso di rendimento interno di circa il 15-20%, afferma Nanne Dekking, fondatrice e CEO di Artory.
Nessuna di queste piattaforme offre agli investitori l’accesso diretto all’arte e, in molti casi, le opere sono tenute in deposito fino a quando non vengono vendute. Artex si impegna ad essere un’eccezione esponendo tutta la sua arte al pubblico, mentre Masterworks ha una galleria di New York dove vengono esposte alcune opere. I fondi non rivelano la maggior parte delle opere che possiedono. “Un’opera d’arte può trarre beneficio dal non essere vista per molto tempo”, dice Dekking.
In attesa di resi
La proprietà dell’arte frazionaria è relativamente nuova e non ci sono una vasta gamma di offerte, quindi gli individui dovrebbero essere consapevoli di dover fare affidamento sulla propria ricerca per sentirsi a proprio agio con la legittimità di qualsiasi piattaforma considerino, compresa l’esperienza del suo personale e il suo accesso all’arte di qualità a buoni prezzi.
Ci sono anche costi aggiuntivi. Masterworks aggiunge circa il 10% al suo prezzo di acquisto per un’opera prima di vendere a investitori per coprire le spese coinvolte nell’acquisto e nella detenzione del dipinto, dice Lynn. Addebita anche una commissione di gestione annuale dell’1,5% e il 20% dei profitti futuri; Mintus aggiunge una commissione del 14% ai suoi costi per l’acquisizione di un’opera d’arte, ma Ozmen dice che restituirà fino al 5% di questo costo agli investitori se un’opera viene venduta entro quattro anni. Si addebita una commissione di esecuzione del 20% dei profitti quando un’opera viene venduta, ma nessuna commissione annuale.
I dolori della crescita sono un altro fattore data la novità del mercato. Masterworks, che è diventato rapidamente di gran lunga il più grande attore con 50.000 investitori e circa 800 milioni di dollari in attività in gestione, è stato preso di mira in ArtNews alla fine dell’anno scorso per pratiche di vendita presumibilmente aggressive. L’azienda ha negato queste accuse, che attribuisce ai dipendenti che sono stati licenziati per giusta causa. Prima della pubblicazione dell’articolo, Masterworks ha presentato piani alla SEC per spostare le sue vendite a un modello di consulente per gli investimenti registrato dall’utilizzo di broker esterni, una mossa che comporta un maggiore controllo normativo ed è stata approvata a metà marzo. I portafogli dei clienti di Masterworks sono in media da 100.000 a 300.000 dollari, dice Lynn.
Masterworks aveva venduto almeno 15 opere d’arte di oltre 280 che aveva acquistato per frazionare e vendere agli investitori alla fine di maggio.
Kokhba ha indagato, osservato e infine investito in Masterworks da solo una volta che si è sentito a suo agio con l’analisi e la ricerca dell’azienda, e ha visto la prova di una vendita di successo. Vede anche l’arte come un modo efficace per diversificare i suoi investimenti, anche se non ha consultato consulenti finanziari esterni perché si aspettava che non avrebbero capito l’offerta e probabilmente non avrebbe raccomandato un prodotto da cui non potevano gestire o guadagnare una commissione.
Adriano Picinati di Torcello, il coordinatore globale dell’arte e della finanza presso Deloitte Luxembourg, concorda sul fatto che “è ancora il caso che i banchieri privati e i gestori patrimoniali non raccomandano investimenti come questo finora”.
Bank of America Private Bank, ad esempio, ha una grande pratica artistica che include un’attività significativa nel prestito contro le collezioni dei clienti, ma non vede o raccomanda l’arte come un puro investimento. “Lo consideriamo nel contesto del bilancio complessivo di [un] cliente”, afferma Watson.
Affinché la proprietà artistica frazionaria diventi ampiamente accettata, gli investitori dovranno anche vedere un track record affidabile di rendimenti che contrastino le preoccupazioni per l’illiquidità e l’incertezza dei prezzi.
Finora, Kokhba è convinto. Alla fine di dicembre 2022, ha condiviso la notizia da un’e-mail che ha ricevuto che un altro dipinto Brown in cui ha investito, There Is a Land of Pure Delight, 2011, è stato venduto da Masterworks per un rendimento del 35% al netto delle commissioni. Le azioni del dipinto, al prezzo di 899.000 dollari, erano state offerte agli investitori dopo che Masterworks ha acquistato l’opera per 810.000 dollari nel settembre 2020, secondo i documenti SEC. Il dipinto è stato infine venduto per 1,8 milioni di dollari, ha detto Masterworks nell’e-mail. “Il rendimento annuo del 35% la dice lunga per me e immagino la maggior parte degli investitori”, ha detto Kokhba in un’e-mail.
Questa storia è apparsa originariamente nel numero di giugno 2023 della rivista Penta.
19/06/23 Corriere Economia: Artex
03/06/23 Sole 24 Ore: l’arte si trasforma in azione
31/05/23 Barron’s: Artex venderà azioni negoziate in borsa di un trittico Francis Bacon da 55 milioni di dollari
Gli investitori avranno presto l’opportunità di acquistare una quota di 100 dollari di un trittico oil-on-canvas da 55 milioni di dollari di Francis Bacon.
Martedì, Artex Group, con sede a Lichtenstein, ha annunciato che offrirà 385.000 azioni di classe B in Bacon’s Three Studies for a Portrait of George Dyer attraverso un’offerta di azioni secondarie. L’ultima vendita pubblica dell’opera è stata nel maggio 2017 presso Christie’s a New York, dove è stata venduta in un’asta dal vivo per quasi 51,8 milioni di dollari a un collezionista privato.
La vendita Artex, la sua prima offerta, porta il concetto di arte frazionata in una nuova direzione creando un mercato liquido per gli investitori al dettaglio per possedere azioni di un’opera d’arte di valore attraverso uno scambio pubblico regolamentato. La maggior parte delle altre offerte artistiche frazionate sono disponibili attraverso strutture di tipo fondo privato.
Le azioni di Bacon’s Three Studies for a Portrait of George Dyer saranno quotate e negoziate sull’Artex Multilateral Trading Facility, o MTF, che è regolamentato dall’Autorità per i mercati finanziari del Liechtenstein.
Le azioni saranno denominate in euro e vendute attraverso banche e broker nominati come cosiddetti agenti di collocamento da Artex. La pre-marketing delle azioni agli investitori durerà quattro settimane, dal 19 giugno al 19 luglio, con impegni degli investitori assunti entro il 20 luglio; la negoziazione inizierà il 21 luglio.
Al contrario, Masterworks, il più grande venditore di arte frazionata negli Stati Uniti, acquista arte di artisti affermati che in genere ha un valore inferiore a 5 milioni di dollari. Le azioni di queste opere sono emesse attraverso società per scopi speciali per un investimento minimo di 15.000 dollari.
Artex creerà anche veicoli speciali per vendere ogni dipinto attraverso il suo scambio.Tre studi per un ritratto di George Dyer, ad esempio, saranno elencati su Artex MTF come Art Share 002 S.A., una LLC pubblica che consente ad Artex di dividere il valore del dipinto in titoli o azioni “regolamentati, liquidi e negoziabili”.
Il piano dell’azienda è quello di acquistare solo capolavori, dipinti del valore di 50 milioni di dollari o più, in modo che le azioni possano essere messe a disposizione di un ampio numero di investitori, secondo il co-fondatore e CEO di Artex Yassir Benjelloun-Touimi. Il principe Venceslao del Liechtenstein è anche tra i fondatori di Artex.
Three Studies for a Portrait of George Dyer è stata la prima rappresentazione di Bacon della sua musa e amante, il cui viso e corpo l’artista ha dipinto “ossessivamente” per anni, secondo una nota del catalogo di Christie del 2017. Secondo Christie’s, Dyer è apparso nelle opere di Bacon almeno 40 volte, inclusi cinque trittici.
I titoli che saranno offerti quest’estate rappresentano il 70% delle azioni di classe B dell’opera d’arte; un ulteriore 10% sarà offerto tre volte entro 12 mesi, ha detto Artex.